Strauss: Der Rosenkavalier
NOTES DE PROGRAMME
explications : AURÉLIE WALSCHAERT
Emilie Mayer Faust-Ouverture, op. 46 (1879)
Robert Schumann Concerto pour violoncelle en la mineur, op. 129 (1850)
—
Richard Strauss Les farces joyeuses de Till Eulenspiegel, op. 28 (1895)
Richard Strauss Le Chevalier à la rose (Suite), op. 59 (1910)
[toutes les notes de programme]
-----
30.10.2026 FLAGEY BRUXELLES
Strauss: Der Rosenkavalier
Richard Strauss, maître de la narration musicale, a pu donner libre cours à sa fantaisie avec Till l’Espiègle : une légende pétillante sur un coquin bravant toutes les règles. Quelle différence d’ambiance dans son opéra à succès Le Chevalier à la rose (Der Rosenkavalier), mêlant amour tendre, valses viennoises et scènes passionnées. Robert Schumann (1810–1856), lui aussi, fut séduit par la puissance lyrique et l’étendue expressive du violoncelle. Il composa son unique Concerto pour violoncelle en à peine deux semaines. Son épouse, Clara Schumann, en fut immédiatement conquise : « J’ai rejoué le Concerto pour violoncelle de Robert et je me suis offert une heure de bonheur profondément musicale. Son souffle romantique, sa vivacité, sa fraîcheur et son humour, ainsi que l’entrelacement si remarquable entre le violoncelle et l’orchestre, sont absolument enchanteurs. » En tant que compositrice, Clara n’avait d’ailleurs rien à envier à son mari. Mais en épousant Robert, elle relégua de fait sa propre carrière de compositrice au second plan. Leur contemporaine Emilie Mayer (1812–1883), en revanche, fit délibérément un autre choix. Déterminée à vivre de la composition, elle bâtit un catalogue considérable, dans lequel se cachent de véritables joyaux orchestraux, dont son Ouverture Faust.
Pionnière oubliée
Le 20 avril 1850, le journal berlinois Vossische Zeitung annonçait un concert au théâtre municipal consacré à des œuvres de la compositrice allemande alors encore inconnue Emilie Mayer : « Dimanche prochain au matin, le monde musical assistera à un événement particulièrement remarquable. Une dame présentera plusieurs de ses propres compositions au Théâtre Royal (…) Un programme entièrement composé d’œuvres d’une femme est, à notre connaissance, sans précédent dans l’histoire de la musique. » Mayer démontrait ainsi qu’elle était très en avance sur son temps. La Neue Berliner Musikzeitung partageait cet enthousiasme : « Jusqu’à présent, la main d’une femme n’a véritablement conquis que le lied (…), mais un quatuor, et plus encore une symphonie faisant preuve de toute la maîtrise requise dans le développement thématique et l’instrumentation – voilà qui est tout à fait exceptionnel. »
Mayer nourrissait une prédilection pour la musique orchestrale, et plus particulièrement pour les ouvertures. Elle en composa une quinzaine, dont seul un tiers nous est parvenu. La plus célèbre est son Ouverture Faust, unique œuvre de ce genre fondée sur un sujet à programme. De surcroît, elle choisit un thème résolument masculin, déjà traité auparavant par Schumann, Berlioz, Liszt et Wagner. Pourtant, Mayer s’identifiait sans doute davantage à Gretchen, le personnage féminin du Faust de Goethe. C’est ce que laisse entendre la seule indication extra-musicale figurant à la fin de la partition : « Sie ist gerettet » (« Elle est sauvée »).
La création de l’Ouverture Faust en 1881 fut saluée avec enthousiasme par le public comme par la presse. L’œuvre fut interprétée dans plusieurs villes européennes et fit l’objet d’un arrangement pour piano à quatre mains. Pourtant, après la disparition de la compositrice, l’ensemble de son œuvre sombra dans l’oubli. La situation commença à évoluer à l’occasion du bicentenaire de sa naissance, célébré en 2012. Depuis lors, l’intérêt pour son œuvre ne cesse de croître. En 2023, le Berliner Symphoniker lui consacra notamment une rétrospective et réalisa un film en son hommage, dont la bande sonore est portée par son Ouverture Faust.
À contre-courant des conventions
Schumann composa son unique Concerto pour violoncelle en seulement deux semaines. Le 10 octobre 1850, il notait encore dans son journal qu’il « ressentait le besoin de composer » ; le 24 octobre, il pouvait déjà écrire que son concerto était achevé. Tout juste nommé directeur musical à Düsseldorf, il puisait une énergie nouvelle dans cette nouvelle étape de sa carrière. En l’espace de trois mois, il acheva deux œuvres d’envergure : sa Troisième Symphonie, dite « Rhénane », et ce Concerto pour violoncelle.
L’œuvre s’ouvre sur une mélodie séduisante confiée au violoncelle solo, qui se déploie tout au long du premier mouvement, empreint d’expressivité. Un deuxième mouvement tendre et chantant conduit sans interruption vers un finale léger et enjoué, qui s’achève par une cadence – fait exceptionnel – accompagnée par l’orchestre. Schumann détestant les applaudissements entre les mouvements, les trois parties s’enchaînent sans pause. Les trois accords initiaux servent de matériau thématique aux passages de transition, faisant office de « ciment » entre les différents mouvements. Autre singularité pour l’époque : le concerto comporte relativement peu de passages destinés à mettre en valeur la virtuosité du soliste. Schumann s’en expliquait ainsi : « Je ne peux pas composer pour les virtuoses ; il me faut essayer autre chose. »
Schumann préférait d’ailleurs qualifier son œuvre de Konzertstück, affirmant ainsi son désir de s’éloigner des conventions du concerto traditionnel. C’est précisément cette approche atypique qui suscita les critiques et retarda la création de l’œuvre jusqu’à quatre ans après sa mort. Longtemps négligé, le Concerto pour violoncelle est aujourd’hui devenu l’un des concertos pour violoncelle les plus joués, précisément grâce à son caractère romantique et singulier.
Les farces joyeuses de Till Eulenspiegel
Richard Strauss (1864–1949) puise son inspiration dans d’anciens récits populaires et donne vie à l’espiègle Till l’Espiègle dans le poème symphonique Till Eulenspiegels lustige Streiche (1894–95). Dans l’introduction méditative, le cor expose le premier « thème de Till », aussitôt repris par l’orchestre sous forme de rondo. La clarinette introduit le second thème et suit Till dans sa chevauchée à travers un marché, évoquant les ravages qu’il y cause et l’effroi des marchandes. Des mélodies amples ou caractéristiques illustrent ses frasques, tandis que de tendres passages aux violons, aux clarinettes et aux flûtes évoquent ses aventures amoureuses. Tout prend brusquement fin lorsque des sonorités menaçantes aux cuivres et de lourds roulements de tambour annoncent l’arrestation du héros. Till est pendu ; un thème déformé à la clarinette symbolise son dernier souffle. Les cordes ralentissent progressivement, dans un rythme irrégulier : le corps de Till se balance encore quelques instants avant de s’immobiliser. Lorsque les flûtes résonnent, son âme quitte son corps. Après un instant de silence, le premier thème revient, tel un « in memoriam » humoristique, suggérant que les figures comme Till ne disparaissent jamais.
Le Chevalier à la rose (Suite)
Strauss composa cette « comédie en musique » avec son librettiste attitré Hugo von Hofmannsthal, avec qui il avait déjà collaboré pour Elektra. Le changement de style était saisissant : après l’audace et le romantisme exacerbé d’Elektra, Strauss proposait un opéra léger, prenant pour modèles Le nozze di Figaro et Così fan tutte de Mozart. L’intrigue entraînante rappelle les opéras comiques de ce dernier, avec leurs liaisons secrètes, leurs déguisements et leurs malentendus. Der Rosenkavalier connut ainsi un succès immédiat. Bien des années plus tard, en 1945, une suite réunissant le prélude et quelques moments forts de cet opéra kaléidoscopique fut publiée avec l’accord de Strauss.
